Catégorie : viewing room

Yoga 1 et 2 se présente comme un couple de petites sculptures réalisant une posture de yoga (asana) ouvrant la cage thoracique vers le ciel. À la rencontre improbable du yoga et des arts précolombiens, viennent s’ajouter diverses possibilités de mise en scène offertes par les petits shorts colorés (« yoga pants » amovibles). Ces « statuettes » sont caractéristiques du goût pour l’inexactitude de Grossmann qui lui permet de passer outre les catégories.

« Si ces dernières sont essentielles au langage et à la communication, je ne cesse de chercher à les dissoudre dans mon travail. Le paradoxe est que j’ai besoin de me référer malgré tout à des archétypes pour les perturber. Je conçois l’œuvre comme une mise en tension. Je ne me documente jamais et ne fais pas d’esquisses préparatoires. Tout se joue au moment de la réalisation avec les accidents et les errances que cela induit… »

« Ce que j’ai vu, compris ou incompris, retenu et oublié est en jeu lorsque je crée. En expérimentant sur ces mécanismes de la mémoire et de l’intuition, je découvre de nouvelles formes ou en retrouve d’autres. » – Corentin Grossmann

Ces statuettes abordent non sans humour la question de la nudité et de la représentation des organes génitaux dans la statuaire. Ici clairement détaillés, le pénis et la vulve contrastent avec l’approximation anatomique des corps. La possibilité de cacher les sexes au moyen de petits yoga pants, renforce le paradoxe et introduit la question cruciale de la pudeur, comme une ultime hésitation entre l’ouverture et l’abandon que la posture yogique évoque et le rappel de normes sociétales souvent contraignantes.

Andrew Lewis a dessiné Points de vue au fusain sur papier, y introduisant des personnages aux attitudes récurrentes dans des paysages élaborés à partir de typologies d’architectures et de monuments bien connus (de la maison de campagne à la tour de Pise, de l’igloo à la muraille de Chine). Ses dessins ont été réalisés à partir d’un livre destiné aux enfants pour apprendre à dessiner des bâtiments suivant des modèles standards. Ils représentent un endroit à la fois réel et imaginaire où les architectures se trouvent isolées voire mises en valeur par toutes sortes de procédés empruntés à la prise de vue photographique. Si l’image, le voyage, la photographie, le cliché touristique et la carte postale semblent au cœur des préoccupations de l’artiste, la force de ses dessins ne provient pas uniquement de cela. Sous leurs traits quelquefois naïfs, ils créent un système de signes scénarisés (solitudes, passages, égarements… ) qui se répètent comme une sorte de rituel, induisant un manque de communication ou simplement d’échange entre les gens, ce qui aboutit généralement à une situation énigmatique et inconfortable pour celui qui regarde.

Texte : Points de vues, Musée d’art contemporain de la Haute-Vienne/FR, 6 mars – 19 juin, 2005.

Dans cette installation formée d’un lit de flocons de pomme de terre déshydratés et mélangés à des colorants alimentaires, Michel Blazy encourage la création d’alvéoles colorées par un goutte à goutte fixé depuis le plafond qui fait ressortir la couleur de la matière. Organisées à la manière d’un jardin à la française, ces formes ainsi dessinées évoluent en suggérant une déambulation, un cheminement. 

Cette esthétique qui nait de l’organique, des produits du quotidien, de la cuisine, est emblématique du travail de Michel Blazy. Dans une exploitation non-conventionnelle de l’espace de monstration – investissant jusqu’au plafond – l’artiste invite à contempler le sol, pour y admirer l’inconstance des formes évolutives qui émanent de la matière.

Un protocole d’activation, permet ainsi au spectateur de contempler un moment de création, un jeu de couleurs aléatoire et éphémère dévoilé par le temps et l’interaction de ces produits organiques.

Sacrilege, 2012
Techniques mixtes
Dimensions variables

Jeremy Deller se définit comme un ‘instigateur d’interventions sociales’ : ses œuvres sont souvent caractérisées par la participation du public, ses sculptures sont des expériences sociales dans lesquelles les performances, les vidéos et les installations deviennent des lieux d’échange et d’agrégation. C’est également le point de départ de Sacrilege, créé initialement pour le Festival international d’art visuel de Glasgow, puis exposé à Londres à l’occasion des Jeux Olympiques de 2012. Grâce au financement de l’Arts Council England, Sacrilege a voyagé dans différents endroits du Royaume-Uni et à l’international et a été présenté à Londres dans le cadre de CREATE et du festival London 2012.

Avec le sens d’humour qui caractérise la plupart de ses projets, Deller transforme le monument de Stonehenge en un gigantesque jouet gonflable pour enfants, le reproduisant en plastique et le transformant en une attraction foraine de 35 mètres de diamètre. Le public est ainsi appelé à interagir avec l’installation, à y grimper, à y sauter et à y jouer.

L’effet est à la fois célébratif et sacrilège, comme le suggère le titre, choisi par l’artiste afin de dédramatiser toute critique éventuelle. Avec son approche résolument ludique, Sacrilège est une invitation à réévaluer son histoire et sa propre identité nationale, mais aussi un commentaire sarcastique sur la façon dont ces thèmes sont souvent banalisés et exploités par les programmes politiques nationalistes et populistes – un sujet qui est malheureusement d’actualité.

« Sacrilège est ludique et coquin. Le titre est une façon de dédramatiser à toute critique – certains penseront que c’est juste ça, un sacrilège, alors pourquoi ne pas l’appeler ainsi ? Le résultat voulu est le rire, peut-être quelques larmes, et certainement le plaisir, mais pas nécessairement dans cet ordre. Pour moi en tout cas, c’est aussi un clin d’œil à ce que j’appellerais la tendance « freak out » de la culture britannique : Hawkwind, Bruce Lacey et Ken Russell en étant les meilleurs représentants. » Jeremy Deller, dans Art Forum, le 20 avril 2012.

Cette œuvre est le résultat d’un montage photographique entre deux écrits, réunis par leur date commune de parution (1798). Le montage procède d’une insertion du « Alien and Sedition Acts » américain, (texte de loi visant à protéger les États-Unis des citoyens étrangers), à l’intérieur du fameux texte de Malthus « L’essai sur le principe de population ». 

Le texte de Malthus est célèbre pour avoir mis pour la première fois en relation les ressources naturelles (alimentaires) et l’accroissement de la population (en l’occurrence des pauvres).

Les deux textes emboîtés, qui jouent de la répétition du motif du bloc textuel rendu illisible par l’échelle du tirage (un contact argentique), n’ont de rapport direct que par leur date, mais leur montage met en tension deux tendances qui s’adressent directement à notre époque : une certaine crainte de l’autre comme « impur », le repli et la désignation d’un bouc émissaire, simultanément à la résurgence des solutions de réduction de la population mondiale comme sauvetage de l’humanité.

Croire ne les intéresse pas, ce qui les intéresse maintenant, c’est de vouloir croire.
Leur but est d’être sur le chemin qui y mène, même si le chemin ne mène à rien.
Elles ne savent pas que la menace existe et n’auront toujours rien à perdre.
Elles sont belles et bien vivantes :
Les Lasagnes.

Les canettes « Tennent’s » m’intéressent depuis mon enfance et continuent à m’intéresser. Je les utilise parce que je suppose, que si je mets un pied de chaise dans la cannette et que cet assemblage me dérange et me dit quelque chose, alors il parlera aussi à quelqu’un d’autre – à quelqu’un que je ne connais même pas. Je ne sais pas vraiment quel est le sentiment que j’essaie d’évoquer, mais dans ce cas, ce n’est pas un bon sentiment.
Adam McEwen

L’œuvre Instrument, a été présentée lors de l’exposition personnelle « Non-Alignment Pact » consacrée à l’artiste par la galerie Art: Concept en 2014. 
Cette œuvre comme Conduit également présentée dans l’exposition a en commun la mise en scène d’un corps torturé mais absent.
Conduit, tuyau d’acier planté dans une chaise de bureau, crée un axe vertical que l’on imagine pénétrant une forme assise. Elle renvoie a une image cinématographique d’un empalement (Cannibal Holocaust) qui a marqué une génération de cinéphiles.

/

Adam McEwen Conduit, 1991-2014, chaise, tuyau en acier

On retrouve ce rapport au cinéma dans Instrument, une œuvre qui se joue doublement de la torture et du désir. Une chaise est habituellement utilisée pour travailler sur un bureau ou une table. C’est ce qui permet à l’humain de réfléchir d’une manière confortable. Dans cette sculpture, Adam McEwen la transforme en un lieu de conflits, un lieu de doutes où ses démons perturbent la concentration nécessaire à la création. La chaise qui est piégée et piège à la fois, devient une sorte d’accolade castratrice.

/

Adam McEwen Instrument, 2014 (détail)